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12 progressions Midwest emo pour guitare

Une progression Midwest emo se reconnaît aussi à la manière de décomposer les accords. Septièmes majeures et mineures, notes suspendues et cordes ouvertes donnent des points d’appui à une mélodie dans l’aigu.

Les douze boucles suivantes fonctionnent en accordage standard. Au lieu de tout jouer en blocs, partez de la basse, choisissez quelques cordes et reliez les accords par de petits mouvements.

12 progressions Midwest emo pour guitare — StrumForge
Ouvrez un exemple pour retrouver ses accords et ses diagrammes.

Progressions à essayer

  1. Arriver à la tonique plus tard: Fmaj7 – G – Am7 – Cmaj7

    Fmaj7–G–Am7 monte avant d’atteindre Cmaj7. Jouez la basse puis les cordes aiguës, en laissant durer les notes communes.

  2. Des fondamentales par degrés conjoints: Gmaj7 – Am7 – Bm7 – Cmaj7

    G–A–B–C suit la gamme plutôt que de grands sauts. Utilisez des positions de septième proches et écoutez leur note supérieure.

  3. Un départ doux, une fin plus directe: Cmaj7 – Em7 – Fmaj7 – G

    Cmaj7 et Em7 partagent plusieurs notes ; G prépare un retour plus affirmé. Élargissez progressivement l’attaque en traversant la boucle.

  4. Une descente vers le majeur: Am7 – G – Fmaj7 – Cmaj7

    Am7 donne d’abord une impression mineure, puis les basses A–G–F conduisent à Cmaj7. Privilégiez une mélodie d’accords dans les cordes aiguës.

  5. Une progression familière enrichie: Gadd9 – Dsus2 – Em7 – Cmaj7

    Sous les extensions se cache I–V–vi–IV. Laissez résonner les cordes communes et transformez ensuite les attaques longues en arpèges.

  6. Le même univers avec un autre départ: Em7 – Cmaj7 – Gadd9 – Dsus2

    Em7 rend l’ouverture plus réfléchie ; Gadd9 apporte l’arrivée majeure. Conservez un motif de picking et ne changez que les notes nécessaires.

  7. Un mouvement qui s’élargit: Dmaj7 – Em7 – Gmaj7 – Aadd9

    Dmaj7–Em7 monte doucement avant de s’ouvrir vers Gmaj7 et Aadd9. Passez d’un picking léger à un jeu plus ample.

  8. Une couleur lydienne: Cmaj7 – D7 – Em7 – D7

    D7 apporte F♯, la quarte augmentée de C lydien. Gardez C au centre de la mélodie et faites entendre le contraste avec Cmaj7.

  9. Une arrivée sur le relatif mineur: Fmaj7 – Cmaj7 – G – Am7

    Après Fmaj7 et Cmaj7, G conduit à Am7 plutôt qu’à C. Raccourcissez légèrement G pour donner du poids à cette arrivée.

  10. Une résolution par ii–V: Cmaj7 – Fmaj7 – Dm7 – G

    Dm7–G ramène vers Cmaj7. Cherchez des formes de septième compactes pour rendre les changements plus fluides que les sauts de basse.

  11. Une section plus lourde: E5 – G5 – C5 – D5

    Les power chords peuvent prolonger une partie délicate dans une section saturée. Alternez croches étouffées et accords tenus, sans changer les fondamentales.

  12. Une suspension avant de recommencer: Bm7 – Gmaj7 – Dadd9 – Asus4

    Bm7 ouvre une couleur mineure avant Dadd9 ; Asus4 laisse la fin ouverte. Comparez un jeu complet avec un arpège sur quatre cordes.

Faire chanter la note supérieure

Repérez la note la plus aiguë de chaque position. Elle peut devenir une petite mélodie, même si les accords restent identiques. Cherchez des notes communes et des mouvements d’un ou deux demi-tons plutôt que de déplacer toute la main sans écouter.

Les septièmes et add9 donnent davantage de notes à explorer, mais leur rôle reste musical. Gardez un motif reconnaissable et laissez de la place entre les attaques.

Décomposer au lieu de tout gratter

Commencez par une basse suivie des trois cordes aiguës. Reprenez le même dessin sur les quatre accords, puis déplacez un accent ou répétez une note pour modifier la phrase.

Une main droite régulière permet d’entendre ce qui change dans les positions. Ralentissez si les notes communes sont coupées ou si les transitions créent des silences involontaires.

Trois lectures d’une même boucle

Jouez d’abord un accord tenu par mesure. Reprenez ensuite la boucle en arpèges réguliers. Enfin, gardez les mêmes fondamentales et augmentez la dynamique, éventuellement avec des positions plus compactes ou des power chords.

Cette comparaison distingue le rôle de l’harmonie de celui de l’arrangement. Une nouvelle section n’exige pas forcément une nouvelle liste d’accords.

Accordage et pratique dans StrumForge

Ces exemples utilisent les diagrammes en accordage standard. Les accordages ouverts peuvent faciliter certaines résonances, mais ne sont pas une condition pour travailler ces idées.

Ouvrez une boucle, réduisez le tempo et comparez les positions. Utilisez un accompagnement de batterie discret pour que la netteté du picking et les notes qui se prolongent restent audibles.

Jouer avec StrumForge

Ouvrez un exemple pour retrouver ses accords et ses diagrammes. Choisissez un tempo confortable, écoutez la boucle, puis comparez les positions disponibles. Les symboles C, D, E, F, G, A et B sont conservés pour correspondre aux diagrammes de l’application.

Les boucles de quatre accords sont gratuites, avec des limites de génération possibles. Pro ajoute la génération illimitée, les progressions de 2, 8, 12 et 16 accords et d’autres outils. Les exemples de cette page restent accessibles sans abonnement.

Le bouton de batterie près du tempo ouvre le panneau Rythme. Acoustic Pop, Waltz et 6/8 Ballad proposent une lecture gratuite avec leur kit par défaut. Pro permet de modifier les parties de batterie, les fills, le motif de guitare et les volumes.

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Questions fréquentes

Faut-il un accordage alternatif ?

Non. Les douze exemples proposés ici se jouent en accordage standard.

Faut-il pratiquer le tapping ?

Pas pour commencer. Des arpèges propres, des notes communes et une petite mélodie dans l’aigu suffisent pour explorer ces progressions.

Peut-on jouer ces accords avec de la distorsion ?

Oui. Allégez les positions et les notes graves si le son devient confus ; les power chords peuvent servir de contraste dans les sections fortes.

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